COSA SIGNIFICA AVERE UN APPROCCIO DIVERSO PER CREARE DISEGNI PER TESSUTI.

Disegni preparatori per tessuti. Serie "Block Intense Flowers".

Non mi chiedo se è una bella stampa o un bel disegno, seguo un processo di lavoro e attendo il risultato. Cerco esplorazioni più profonde meglio se mai utilizzate.

Combino argomenti diversi nella convinzione che giocare con gli elementi possa dare risultati mai visti.

È proprio il mai visto che mi interessa, insieme a una certa “arie du temps”.

La maggior parte dei miei disegni sono manuali, con molte tecniche insieme, devo arrivare alla fine del disegno per capire se il risultato è riuscito.

Un disegno manuale non prevede correzioni, non si può cambiare idea o tornare indietro come nel disegno digitale, ed è proprio questa instabilità che costringe a una concentrazione più vivace e porta a soluzioni formali inaspettate.

Non si disegna in manuale solo per la bellezza della linea o per maggior realismo della texture. La parte più interessante è la sorpresa, il divertimento di lavorare e arrivare a un risultato riuscito, oppure fallire.

Fin dall’inizio, in una nuova collezione di disegni, ho in mente quale sarà la tipologia di abbigliamento su cui verrà stampato, (background da fashion designer) o il carattere della persona che lo indosserà, quale può essere l’uso migliore, se per uomo, donna, genderless, home decor, che tipo di stile e su quale base tessuto lo vedo stampato. Del risultato finale, invece, ne ho una vaghissima idea, sarà una sorpresa.

Preparazione di un layout. MB Textile Prints and Colours.

Prove di disegno. Watercolor su carta.

L’oggettivamente bello non è più in discussione. Ho visto meraviglie di disegni sui peggiori pezzi di fast fashion e visto drammatiche stampe prendere vita su vestiti da: “lo voglio adesso”. (A chi chiede posso fare i nomi). È sempre del fashion designer il merito e anche la colpa, pensano alcuni.

Quello che deve avere una stampa per tessuto è farmi capire che chi la indossa ha pensato, che c’è una sicurezza limpida nella percezione di sè. Deve essere chiaro che è stata scelta perché così mi sento e così sono. Una stampa che semplicemente da “gioia” non basta più.

Monica Bonzano Designer

All Right Reserved 2024 M B Textile Prints and Colours

CINQUE MOTIVI PER NON COPIARE UN DISEGNO.

MB Textile Prints and Colours. "A Beautiful Escape".

Il disegno per tessuti, insieme a molte altre discipline creative, è tra le attività più sensibili alla copia.

La copia di un disegno o l’ispirazione molto vicina all’originale porta con se un sentimento di tristezza e frustrazione, sia per chi la esegue e sia per chi la subisce.

Ma che differenza c'è tra copiare e prendere ispirazione?

Ad una prima impressione si tratta di due attività diverse, copiare significa riprodurre una creazione esattamente come la vediamo. Prendere ispirazione significa che qualcosa ci ha toccato e ci fa sentire vicini a quel lavoro.

Può trattarsi del soggetto, di una gamma colori o di una sfumatura, dello stile grafico o semplicemente il tema sviluppato è lo stesso su cui noi stiamo lavorando.

Ma tra copiare e prendere ispirazione il confine è sottilissimo, basta distrarsi un momento ed ecco che siamo finiti a riprodurre qualcosa di veramente simile e purtroppo non possiamo dire completamente nostro.

Dobbiamo tenere presente che un'opera creativa, nello specifico qui parliamo di disegni per tessuti, è il risultato di anni di lavoro ed esercizio, manuale o digitale.

Questa pratica continua permette ad un designer non solo di sviluppare il proprio stile, l'insieme di caratteristiche estetiche che ci fanno riconoscere un'opera, ma anche di possedere una abilità e sicurezza che da al disegno quella sensazione di unicità.

La copia che tentiamo di riprodurre raramente può avere lo stesso spirito e se dopo lungo lavoro il risultato ci sembra identico tutto lo sforzo per questa riproduzione forse non vale la fatica che abbiamo fatto.

Man shirt. Foulard (destra) Spring\summer. MB Textile Prints and Colours.

Cinque motivi per non copiare un disegno

Di seguito elenco i primi cinque motivi che mi vengono in mente per cui è meglio non copiare un disegno.

Trattando qui di disegni per tessuti, devo specificare che si tratta di una attività creativa che risponde a esigenze di mercato, ai desideri di aziende tessili, ai trends di stagione o alla creatività di fashion designers.

Possono esserci periodi in cui un certo tipo di disegno o tema diventi molto popolare e venga richiesto da molti, trattandosi di moda, ed è qui che si diffondono un mare di disegni simili. E' in questo momento che il "bravo" creativo dimostra la sua capacità, creare disegni in tema ma totalmente nuovi. Veniamo all'elenco:

1. Il mondo è piccolo e anche internet, quando vuoi nascondere qualche cosa un colpo di sfortuna ti può tradire. E' vero che pinterest sembra infinito, che non ci sia alcuna possibilità di essere scoperti, ma spesso accade di trovare disegni simili in modo imbarazzante. La quantità di immagini inganna, e ci fa sembrare che dietro a quei disegni non ci sia nessuno, che siano lì a disposizione. In realtà c'è sempre un creativo che ha lavorato a quel disegno e il suo lavoro va rispettato.

2. Immagina la faccia del tuo cliente quando scopre che qualcun’altro ha un disegno simile a quello che gli hai venduto tu. Sei così rimasto affascinato dal lavoro di un creativo che il tuo livello di interpretazione di una ispirazione si è abbassato pericolosamente.

Il risultato del tuo lavoro è molto, troppo simile alla reference. Inevitabile è la brutta figura e la perdita di fiducia del tuo cliente.

3. Pensa. La tua capacità di creare va allenata se guardi e copi quello che altri fanno non puoi crescere e sviluppare il tuo stile. A volte le richieste dei clienti non sono così originali, è possibile che abbiano in qualche modo capito che un tipo di fantasia sia molto apprezzata al momento, ti facciano vedere l'esempio e insieme la tipica richiesta: "lo voglio così ma diverso". In questo caso auguri, preparati a grandi rielaborazioni se non vuoi correre rischi. Se invece vuoi essere riconosciuto per il tuo stile, esercitati, lavora e sperimenta. Il tuo punto di forza sarà la tua estetica e non il prezzo del tuo lavoro.

4. Il tuo valore è nel tuo essere unico. Pensa, vivi, disegna come nessuno ha fatto, solo così troverai la tua identità. Capire quello che ci piace è il modo più facile per costruire la propria visione. Guarda tutto, costruisci un tuo bagaglio di immagini, tutto può servire per farti crescere. Arte, cinema, natura, viaggi, lasciati coinvolgere da ciò che ti attira e respingi ciò che non apprezzi ma chiediti perché.

5. E comunque, la copia è illegale. Un disegno è un’opera di ingegno, copiarlo è un furto intellettuale. E' scorretto e sleale nei confronti del creator, probabilmente ha lavorato ore su un disegno e questo merita rispetto. Un cliente scegliendoti e pagandoti ti da la sua fiducia, la tua reputazione sarebbe compromessa se vieni scoperto, per non parlare dei risvolti legali. E cosa rispondere a un cliente che vuole un disegno come la referenza che ti mostra? Prova a fare tu delle proposte, se non funziona sii diplomatico ed educato.

Sketchbook per imparare a non copiare

Ci sono molti modi per trovare ispirazioni e references senza poi arrivare alla copia, quello che voglio consigliarti ora è una pratica molto utile per sbloccare la propria creatività.

Avere uno sketchbook per sperimentare.

Procurati un quaderno con una carta abbastanza resistente, consideralo come il tuo luogo libero, dove non è possibile sbagliare, dove puoi provare di tutto, non avere nessuna preoccupazione estetica. Se si rompe o si macchia o se ti sembra di fare disegni orrendi, non ha importanza, questo è un luogo libero.

Metti davanti a te diversi strumenti: colori acrilici, matite, marker, acquarello, acqua sporca di caffè, pennelli, forbici, tutto quello che ti attira.

(Anche se disegni in digitale questo è un ottimo modo allenamento).

Ora puoi concentrarti su un soggetto, una forma, un elemento in particolare che sai già di voler usare, e liberamente incomincia a disegnare.

L'atteggiamento è quello di quando si sta a lungo al telefono con una matita in mano e si disegnano forme senza pensare.

Usa le tecniche insieme, sovrapponile, accoppiale in modi diversi. Prova inventarti delle regole: oggi disegno solo in blu, oppure solo forme geometriche, o solo fiori che non esistono, solo righe. Cerca di divertirti e se qualcosa ti annoi passa ad altro.

Ti accorgerai che con il passare delle pagine qualche cosa stà succedendo e probabilmente quello che hai sperimentato ti sarà utile per qualche nuovo lavoro.

Personal sketchbook. Monica Bonzano Designer

In conclusione

Possiamo anche noi essere fonte di ispirazione o copia. Promuovere il proprio lavoro sui social o compiere attività di marketing prevede di mostrare i propri lavori.

Promuovere il proprio lavoro è anche un modo per mettersi alla prova e affinare il proprio linguaggio.

Proteggere la nostra attività creativa diventa difficile, l’unica possibilità è quella di avere noi stessi in comportamento etico e diventare fonte di ispirazione nel rispetto del lavoro di ogni creators.

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LE FANTASIE PER ABBIGLIAMENTO PIU MODERNE.

Stampa per abbigliamento. M B Textile Print and Colours.

Il mondo della stampa è talmente ampio da destrare sempre indecisione sulle scelte, ma cosa si intende per stampe moderne.

Il questo caso il punto di vista è personale e lavorando nella creazione di fantasie e disegni ho sviluppato un gusto che mi guida e naturalmente può essere più o meno condiviso.

Che cos’è “moderno” se parli di abbigliamento e ancora più nel dettaglio di “stampe per abbigliamento”?

Tutto quello che riguarda il presente o che può essere proiettato nel futuro può essere definito moderno, è chiaro che parlare di bello o brutto è tutto un altro discorso.

Forse bisognerebbe intendere, come nell’arte, la separazione tra moderno e contemporaneo, ma, in definitiva, credo di no.

Parlando di moda, proposte estetiche, disegni, vestiti, preferisco considerare moderno ciò che è nuovo, mai visto è proiettato nel futuro, e contemporaneo, tutto il resto.

Per quanto riguarda i disegni che vanno messi sui vestiti, chi li deve creare o scegliere si pone moltissime domande e una di queste è appunto: “sarà abbastanza moderno?”.

Per semplificarmi la vita cerco di risponde a questa domanda seguendo delle indicazioni molto semplici ma efficaci, queste mi aiutano a capire il grado di modernità di un disegno.

1. Che abbia un soggetto originale, poco rappresentato in precedenza o mai visto.

2. Che la tecnica con cui è realizzato il disegno oltre che virtuosa presenti delle novità e sperimentazione.

3. Che la combinazione dei colori sia insolita o mai vista, oppure la capacità eccezionale di gestire tantissimi colori e tonalità. O il contrario, qualcosa di unico con un solo colore.

4. Che il piazzamento sul tessuto abbia qualche sorpresa. Come è impostato il rapporto, in quale scala, in quale posizione.

Mi rendo conto che si tratta di parametri tecnici che possono interessare più i designer o artisti, ma più avanti vedremo esempi che possono aiutare meglio capire l’argomento.

In sostanza la modernità di una stampa riguarda la sua originalità, quando siamo di fronte ad un vestito e capiamo che quella fantasia non l’abbiamo mai vista, ci comunica un sentimento di forte attenzione o di sconcerto, siamo presi dalla curiosità di provarlo su di noi o ci chiediamo chi potrebbe indossarlo, oppure ci trasporta in qualche mondo fantasioso, o ancora, la possibilità di stupire, di sedurre.

In sostanza una stampa può allontanarci dalla noia.

COLATE HAND MADE PAINTING

Fantasie come dipinti astratti, valgono tutti gli effetti come per Christopher Kane per la Spring ‘21. Ha dipinto personalmente le fantasie durante il lockdown, sperimentando strati di vernice acrilica mescolata a glitter, impastando con la spatola, pennelli e dita. Un lavoro liberatorio e ispirato, il risultato è sorprendente, luminoso e intenso.

Christopher Kane Spring 2021. Illustration Monica Bonzano.

COLPI DI COLORE

Spray, lampi di colore spruzzato, non sono sfumature ma veri e propri getti di vernice.

Il riferimento mi porta al lavoro dell’artista tedesca Katharina Grosse che con le sue installazioni in larga scala crea esperienze visive coinvolgenti.

Il marchio The Attico per la collezione resort ‘21, ha usato stampe con gamme colori incredibili, delle nebulose psichedeliche con colori ultra saturi su tessuti fluidi. I designers di Collina Strada, molto sensibili alla sostenibilità e al cambiamento climatico, creano stampe hand made con spruzzature, macchie, ritagli e riapplicazioni. Il film di presentazione della Pre Fall ‘21, in collaborazione con Gucci, mostra un video gioco dove i modelli diventano avatar che esplorano scene terrestri digitalizzate, con l’obbiettivo di combattere il cambiamento climatico.

Sfumature ad acqua. Stampa per abbigliamento.

MB Textile Prints and Colours.

Fonti: Attico, da sinistra, Vogue Runway. Collina Strada Vogue Runway. Sotto, Katarina Grosse Artist. Louis Vuitton, Vogue Runway.

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SKY BLUE

Tonalità azzurre, sfumature, effetti di nuvole, maltinture effetti di falsi uniti che movimentano le superfici.

Alexander McQueen propone dei bustini disegnati effetto “trompe l’oeil” su grandi gonne voluminose coperte da striature blu scuro su bianco, collezione Spring 2021.

Ancora Collina Strada con pantalone gonna con strascico e sneakers tutto con nuvole azzurre e bianche. E Jordan Arthur Smith, giovane designer, interessante da vedere, propone per uomo t-Shirt, pants, bags con maltinture di uno strano indigo turchese con orli sfilacciati è un effetto sopravvissuto.

Jordan Arthur Smith. Collina Strada. Alexander McQueen. Spring 2021.

Illustration Monica Bonzano.

MACCHIE A COLORI

Arthur Arbesser è il designer che usa le stampe che preferisco. Una semplicità disarmante ma il contenuto è forte e originale. Non c’è una stampa proposta che non abbia un respiro artistico e una originalità colta. Consiglio di seguire il suo lavoro per capire la modernità di una stampa. Una fantasia in particolare: sono macchie sfumate con colori mescolati piazzate su fondo chiaro. Mi ricordano alcuni lavori di Max Cobalto, un artista in “incognito” che sta sviluppando un lavoro come alter ego e la cui vera identità sarà svelata alla fine del progetto. ( I suoi lavori sono visibili sul sito di Alzueta Gallery).

In questo gruppo dove i fondi in prevalenza bianchi si riempiono di macchie colorate inserisco anche Tanya Taylor, collezione Pre-Fall 2021. Interessante l’approccio creativo, un membro del suo team ha fatto colare cubetti di ghiaccio su cui aveva messo dei pigmenti colorati. Il risultato sono state enormi macchie colorate e innacquate. Il senso di casualità, sorpresa ed eventuale errore è la dimensione più interessante di questi processi.

Fonti: Collina Strada, da sinistra, Vogue Runway. Arthur Arbesser, fonte Instagram. Tanya Taylor Vogue Runway. Max Cobalto Artist, alzuetagallery.com

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A PROPOSITO DI FIORI

Il fiore è il tema principale quando si tratta di fantasie per abbigliamento, c’è ancora modo di essere moderni disegnando un fiore?

Sembra di sì! Con un certo stupore devo citare Boss, collezione Spring 2021.

Il designer Ingo Wilts, chiede una collaborazione con l’artista William Farr, il risultato sono sottili reticoli e fili in cui sono incastrati fiori e botanica su fondo bianco, il risultato è leggero, fresco è davvero insolito, probabilmente tra le più belle stampe del momento.

Christian Wijnants, Resort 2021, una stampa in particolare, in una collezione essenziale e rilassata, mi ha attratto. Si tratta di fiori enormi, grafici disegnati con bordo nero, contornati da grandi foglie tramate su fondo rosa acceso. Interessante la tecnica, tutto disegnato a marker, i classici pennarelli evidenziatori, con tutti i tratti e difetti di riempimento visibili. Non è necessario ribadire che adoro il disegno manuale!

Fonti: da sinistra Christian Wijnants Spring '21, Vogue Runway. Tanya Taylor Vogue Runway. Boss, spring '21, Vogue Runway.

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LUCI DALLA FINESTRA

Da quasi tutte le collezioni emergono note personali sul lockdown, una ritrovata concentrazione, il tempo per il lavoro, la sperimentazione.

Così anche per Fendi, Spring 2021, Silvia Venturini ha fotografato le ombre del sole che entra dalla finastra, trasformando queste immagini in delicatissime stampe su tessuti leggeri e trasparenti, colori neutri caldi o grigi azzurrati.

Una nota personale, la stessa cosa l’ho fatta anche io, probabilmente il taglio della luce di marzo produce effetti poetici sulle pareti.

STRIPES-BLOCK

Subito immagino il lavoro dell’artista Sean Scully, un po’ perché se si parla di blocchi colore e righe posso pensare solo a lui e un po’ perché non sono l’unica con questa fissazione.

Daniel W. Fletcher, collezione Spring 2021, riutilizza tessuti che ha in archivio per costruire blocchi a righe patchwork per shirts, pants e plaid, dimostrando un senso concreto per la sostenibilità su nuovi comportamenti di consumo.

Fonti: Daniel W. Fletcher, da sinistra, Vogue Runway. Sean Scully Artist,

fonte Pinterest.

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MONOCOLORE RED

Un’attrazione per il rosso, con il bianco ovviamente. Le stampe monocolore sono un tema diffuso ora. Esagerate, fittissime, grafiche o in grande scala, danno un senso di vitalità, energia. Usate in total body per essere eccentrici sembrano dire: ecco ci siamo ancora e vogliamo essere visti bene.

In ordine di preferenza: Schiapparelli, Spring 2021, ampia giacca, ampi pantaloni in una fantasia con riferimenti a Manet e Degas che il designer ha studiato personalmente.

Bella la tecnica come pitturata a mano direttamente sul tessuto.

Abito rosso vibrante e bianco a blocchi di colore e geometrie di Colville, Spring 2021, e, abito bianco con tratti rossi, primitivi e fitti. L’immediatezza che hanno certi disegni facili, sono tutta idea, sforzo minimo e resa massima.

Trovato su Instagram di Bode Newyork, un “pigiama”, pantalone e camicia, in cotone con applicazioni a ricamo, giganti fiori rossi stilizzati. L’effetto è super confort e super originale.

Fonti: da sinistra Colville Spring '21, Vogue Runway. A deserve in basso a destra Msgm spring '21 Vogue Runway. Bode New York, spring '21, Instagram e bodenewyork.com.

Schiapparelli spring '21. Vogue runway.

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COLOR BLOCK È UN CLASSICO

Guardando i lavori di Kes Richardson (Fold Gallery London) mi sono chiesta chi poteva aver pensato per una stampa abbigliamento, non qualcosa di simile, ovvio, ma qualcosa con la stessa forza, potere cromatico ed energia e no, non c’è.

Le sole cose che vagamente possono avere un sentimento astratto che lo può ricordare sono due abiti di Colville. Il primo, Spring 2021, in nero e lime, il secondo, Fall 2020, più che una fantasia direi una grafica, fondo verde scuro con geometrie giallo e salmone più intervento di grossi filetti neri e altre tonalità minori.

Totalmente diverso ma altrettanto energico un abito full colours di Patou, Resort 2021. Lungo alla caviglia, grandi righe a spicchio verticali, interrotte da geometrie ondulate e grande collo come ali di farfalla. L’alternanza folle di colori mi ricorda il chemisier a righe verticali di Erika Cavallini Pre-Fall 2018.

Fonti: da sinistra Colville Spring '21, Vogue Runway. Schiapparelli spring '21. Vogue runway. Erica Cavallini Pre-fall '18, Vogue Runway.

Kes Richardson Artist, foldgallery.com

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Questa la mia lista, per approfondirla consiglio di cercare le immagini relative è tutto sarà più chiaro, intanto mi sembra sia già un buon passo per superare la noia del tinta unita, del seasonless, timeless, genderless ecc!

*Le immagini utilizzate nell'articolo hanno scopo descrittivo, non sono utilizzate per fini commerciali ma per divulgazione di una estetica eccellente rispettosa di chi ne detiene la proprietà intellettuale. Se in qualche modo la presenza di alcune immagini risulta inopportuna scrivere una comunicazione a info@mb-textileprints.com e saranno immediatamente rimosse.

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